Hubo un momento, no hace tanto, en el que la televisión basada en cómics decidió dejar de pedir permiso. En lugar de preocuparse por si el traje era idéntico al de la viñeta o si el guiño al lector veterano estaba lo suficientemente subrayado, se lanzó a hacer algo mucho más peligroso: hablar del presente con las herramientas del pasado. Ese momento se llamó Watchmen.
Siete años después de su estreno en HBO, la sensación es extraña. El género no ha dejado de crecer, pero cuesta recordar otra serie que haya asumido un riesgo tan frontal, tan incómodo y tan deliberado como el que asumió aquella miniserie creada por Damon Lindelof. En una industria dominada por universos compartidos, calendarios milimétricos y fidelidades casi religiosas al canon, Watchmen decidió avanzar el reloj en lugar de quedarse contemplándolo.
Adaptar no era copiar, era continuar
El cómic original de Watchmen, obra de Alan Moore y Dave Gibbons, ya había cambiado las reglas del juego en los años ochenta al demostrar que el superhéroe podía ser oscuro, político y profundamente incómodo. No se limitaba a contar una historia de capas y máscaras, sino que cuestionaba el poder, la vigilancia y la moralidad de quienes decían protegernos.
La serie de 2019 entendió que la única forma honesta de rendir homenaje a ese espíritu era no intentar repetirlo. En lugar de adaptar de forma literal las viñetas más icónicas o construir una secuela complaciente, optó por situarse décadas después y preguntarse qué significaría vivir en ese mundo en el siglo XXI. Así, el legado de los vigilantes enmascarados se convirtió en el punto de partida para explorar tensiones raciales, abusos institucionales y desigualdades estructurales que no pertenecen a la ficción, sino a la realidad.
Lo que hizo la serie no fue copiar el cómic, sino dialogar con él. Y esa conversación era incómoda, directa y, en muchos momentos, perturbadoramente actual.
Una historia que se atrevió a mirar de frente
Desde su primer episodio, Watchmen dejó claro que no iba a ser un desfile de nostalgia. La masacre de Tulsa de 1921, un hecho histórico durante décadas silenciado, se convirtió en el eje emocional de la trama y en la herida abierta sobre la que giraba la historia. Angela Abar, interpretada con una intensidad magnética por Regina King, no era simplemente una heroína con máscara; era una mujer negra navegando un sistema heredado de violencia, privilegio y miedo.
La serie utilizaba los códigos del género para desmontarlos desde dentro. Las máscaras ya no eran solo un recurso estético, sino símbolos de trauma y ocultación. La policía, tradicionalmente retratada como protectora, aparecía blindada y enmascarada, difuminando la línea entre justicia y opresión. Incluso personajes clásicos como Ozymandias, interpretado por Jeremy Irons, regresaban no como simples guiños para el fan veterano, sino como piezas de un engranaje narrativo que reflexionaba sobre la arrogancia del poder y las consecuencias de jugar a ser dios.
En lugar de ofrecer respuestas fáciles, Watchmen planteaba preguntas incómodas, y lo hacía sin suavizar sus aristas para resultar más digerible.
El contraste con el panorama actual
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Mientras tanto, el género ha seguido avanzando bajo la hegemonía del Marvel Cinematic Universe, cuya maquinaria ha demostrado una eficacia industrial impresionante tanto en cine como en televisión. Series como Secret Invasion, Hawkeye, Agatha All Along o la esperada Daredevil: Born Again han mantenido vivo el interés del público, pero lo han hecho dentro de un marco claramente definido, donde la coherencia del universo compartido y la fidelidad al material original se convierten en criterios casi absolutos de calidad.
En ese contexto, Watchmen parece una anomalía. No buscaba encajar en un plan a diez años vista ni abrir la puerta a múltiples spin-offs. Era una historia con principio y final, consciente de su propia finitud y, precisamente por eso, libre para arriesgar.
Una serie que no necesitaba permiso
Lo que hace que, siete años después, Watchmen siga resonando no es solo su calidad técnica o interpretativa, sino la sensación de que nadie estaba intentando jugar sobre seguro. No era una pieza diseñada para tranquilizar a los fans más exigentes con la continuidad, ni una celebración acrítica del material original. Era una obra con voz propia que utilizaba el legado de Moore y Gibbons como trampolín para hablar del presente.
En una época en la que la televisión de superhéroes parece obsesionada con no salirse de la línea, con no enfadar a nadie y con no comprometer demasiado su discurso, aquella miniserie de HBO demostró que el género puede aspirar a algo más que al entretenimiento confortable.
Quizá no fue la última vez que se intentó algo diferente, pero sí fue la última vez que una serie de cómics logró combinar riesgo temático, ambición narrativa y relevancia cultural de una forma tan contundente. Y mientras el género siga priorizando la seguridad sobre la provocación, Watchmen seguirá siendo ese recordatorio incómodo de lo que puede ocurrir cuando una historia decide dejar de pedir permiso y simplemente se atreve a hablar.
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