Noviembre entra en su tramo decisivo y los cines se ponen las pilas con un fin de semana (21-23 de noviembre) cargado de estrenos muy potentes. Llega el cierre de una de las grandes apuestas musicales de Hollywood, una nueva e imaginativa adaptación de Stephen King, el Drácula romántico de Luc Besson, secuela de un inesperado fenómeno de acción finlandés, cine social español, animación familiar, documental deportivo con Isco Alarcón, cine de autor europeo y varias propuestas que van directas a los festivales… y a las quinielas de premios.
Si eres de los que se pierde mirando la cartelera sin saber qué elegir, aquí tienes un repaso calmado y sin spoilers excesivos para que puedas decidir dónde dejar tu entrada este fin de semana.
(Y oye, si al final te animas a comentarnos qué has visto, pásate por Cinemascomics en Google News y danos seguir, que así no te pierdes ningún estreno ni ninguna frikada más).
Wicked: Parte II
Wicked: Parte II ¿Tiene escena post-créditos?
El mundo de Oz se prepara para su gran despedida en Wicked: Parte II, el capítulo final de la adaptación cinematográfica del famoso musical de Broadway. Jon M. Chu vuelve a ponerse detrás de las cámaras para cerrar la historia jamás contada de las brujas de Oz, con Elphaba y Glinda en el centro de un conflicto que ya no admite puntos intermedios. Elphaba, demonizada como la Bruja Malvada del Oeste, vive escondida en el bosque liderando la lucha por la libertad de los animales silenciados del reino, mientras intenta sacar a la luz la verdad sobre el Mago.
En paralelo, Glinda se ha convertido en el símbolo oficial de la bondad, instalada en el palacio de la Ciudad Esmeralda y disfrutando de los privilegios de la fama. Bajo la tutela de Madame Morrible, se dedica a tranquilizar a los habitantes de Oz asegurándoles que todo va bien bajo el gobierno del Mago, aunque en realidad arrastra un enorme conflicto interior por su ruptura con Elphaba. Su inminente boda con el príncipe Fiyero no hace sino acentuar esa grieta emocional.
A partir de ahí, el destino de personajes como Boq y Nessarose se verá trastocado para siempre, mientras una chica procedente de Kansas irrumpe en sus vidas y lo pone todo patas arriba. La película promete espectáculo musical a lo grande, romance imposible, drama político en clave fantástica y, sobre todo, el clímax de la compleja amistad entre Glinda y Elphaba, que deberán mirarse a los ojos con absoluta honestidad para decidir el futuro de todo Oz.
The Running Man
The Running Man
Edgar Wright se lanza al terreno de la ciencia ficción y la acción pura con The Running Man, nueva adaptación de la novela de Stephen King. Aquí nos vamos a un futuro cercano en el que el programa de televisión más visto del planeta es un concurso mortal: los participantes, llamados runners, deben sobrevivir 30 días mientras son cazados por asesinos profesionales, en un show retransmitido paso a paso para una audiencia sedienta de sangre. Es el espectáculo definitivo de una sociedad que ha convertido el morbo y la violencia en entretenimiento diario.
En medio de este circo mediático encontramos a Ben Richards, interpretado por Glen Powell, un hombre de clase trabajadora acorralado por las circunstancias. Desesperado por salvar a su hija enferma, acepta participar en el programa convencido por el carismático pero despiadado productor Dan Killian, al que da vida Josh Brolin. Lo que empieza como una medida desesperada se convierte en un fenómeno inesperado: la rebeldía, el instinto y la determinación de Ben lo transforman en el favorito del público… y en un problema para el sistema que explota el show.
Cada día que sobrevive aumenta la recompensa económica, pero también el riesgo y la presión. Ben tendrá que esquivar a los cazadores y, al mismo tiempo, enfrentarse a una nación adicta a ver cómo los concursantes caen. La película apunta a ser una combinación de acción trepidante, crítica social y sátira sobre la televisión espectáculo, con el estilo visual y el ritmo característico de Wright, reforzado por la música de Steven Price y la fotografía de Chung Chung-hoon.
Drácula
Luc Besson se apropia de uno de los mitos más influyentes de la literatura y el cine de terror con Drácula, aquí subtitulada como una historia de amor jamás contada. Partiendo del universo de Bram Stoker, el director francés propone una versión centrada en la tragedia íntima del príncipe Vlad II, conde de Drăcul, interpretado por Caleb Landry Jones. Tras una pérdida devastadora, Vlad renuncia a Dios y es maldecido con la vida eterna, condenado a vagar en soledad a lo largo de los siglos, atrapado entre la maldición y el recuerdo de su amor perdido.
En lugar de limitarse al terror gótico tradicional, la película se presenta como un drama romántico oscuro, en el que la inmortalidad es más un castigo que un privilegio. El enfoque se fija en cómo el personaje desafía al propio destino y a la mortalidad con tal de reencontrarse con esa figura amada que lo marcó para siempre. No faltan elementos del imaginario vampírico clásico, pero el centro de gravedad es la obsesión amorosa y el dilema moral de un ser condenado.
Con Christoph Waltz, Zoë Bleu y un reparto internacional, junto a la música de Danny Elfman y la fotografía de Colin Wandersman, Drácula aspira a ofrecer una experiencia visual potente y elegante. Es una propuesta pensada tanto para amantes del terror como para quienes buscan un melodrama con un protagonista extremo y atormentado, en la línea de los grandes personajes malditos del cine europeo.
Sisu: Camino a la venganza
Desde Finlandia regresa “el hombre que se niega a morir” en Sisu: Camino a la venganza, secuela directa del fenómeno de acción que sorprendió hace unos años. Dirigida de nuevo por Jalmari Helander, la película recupera a Jorma Tommila como ese protagonista casi indestructible que vive anclado al trauma de la guerra. La historia arranca con su regreso a la casa donde su familia fue brutalmente asesinada, un lugar cargado de dolor que decide desmontar tabla a tabla para cargarla en un camión y reconstruirla en un entorno más seguro, como homenaje definitivo a los que perdió.
Sin embargo, el pasado no está dispuesto a dejarlo marchar. El comandante del Ejército Rojo responsable de la masacre, interpretado por Stephen Lang, reaparece empeñado en terminar el trabajo que dejó a medias. A partir de ese momento se desata una persecución implacable a través del país, una lucha a muerte que se apoya en escenas de acción brutales, ingeniosas y sin concesiones.
Helander combina paisajes helados, violencia coreografiada y un protagonista casi mítico que parece desafiar las leyes de la supervivencia. Sisu: Camino a la venganza se mueve entre el western crepuscular, el cine bélico y el exploitation, con toques de humor negrísimo y una clara voluntad de ofrecer al público de salas un espectáculo visceral, directo y perfecto para quienes quieren pura adrenalina en pantalla grande sin complicaciones.
Olivia y el terremoto invisible
Para quienes buscan animación con corazón y contenido emocional, Olivia y el terremoto invisible llega como una de las propuestas más especiales de la semana. Dirigida por Irene Iborra y basada en un libro de Maite Carranza, la película combina stop motion y un enfoque muy humano para hablar de temas como la pérdida del hogar, la precariedad y la resiliencia familiar. Olivia, su hermano pequeño Tim y su madre Ingrid son expulsados de su casa y se ven obligados a empezar de cero en otro barrio, con todas las dificultades económicas y emocionales que eso implica.
Mientras Ingrid se deja la piel intentando sacar adelante a la familia, Olivia construye una fantasía protectora para su hermano y para sí misma: todo lo que están viviendo no es real, en realidad están rodando una película. Ese juego imaginario sirve como refugio, pero también tendrá consecuencias inesperadas, porque distorsiona la manera en que se enfrentan a la realidad.
A su alrededor se formará una nueva y pintoresca familia, con la que compartirán aventuras rocambolescas entre risas, llantos, momentos de magia y mucha amistad. La película reivindica a esos héroes cotidianos que nunca salen en los titulares, pero que luchan cada día por salir adelante. Es una opción ideal para público familiar que quiera algo más que simple entretenimiento: aquí hay emoción, mensaje y una apuesta estética muy cuidada, con la firma de estudios europeos y latinoamericanos especializados en animación.
Alpha
Alpha supone el esperado regreso de Julia Ducournau, una cineasta que suele moverse en los márgenes del cine de género y el drama extremo. En esta ocasión la directora se centra en una adolescente de 13 años, también llamada Alpha, que vive con su madre soltera. A simple vista podríamos pensar en un relato coming-of-age al uso, pero la película promete ahondar en la relación entre madre e hija y en el estallido de una identidad juvenil que no encaja en lo que el mundo espera de ella.
El punto de partida es tan sencillo como potente: un día, Alpha vuelve del colegio con un tatuaje en el brazo, algo que hace tambalear el frágil equilibrio de su entorno. Ese gesto, que podría verse como una simple rebeldía, desencadena una cadena de reacciones emocionales, conflictos familiares y descubrimientos personales. El cine de Ducournau suele partir de lo corporal para hablar de lo psicológico, así que es de esperar que la película se adentre en cómo ese cuerpo adolescente se convierte en campo de batalla entre deseo, miedo y control.
Con un reparto encabezado por Tahar Rahim y Golshifteh Farahani, y la fotografía de Ruben Impens, Alpha se sitúa en la frontera entre el drama y el thriller, con una tensión que nace de las dinámicas familiares y de la imposibilidad de encajar en un molde prefijado. Es una apuesta para espectadores que buscan cine de autor europeo con nervio y sin miedo a incomodar.
Ciudad sin sueño
El cine social español suma un nuevo título a tener en cuenta con Ciudad sin sueño, dirigida por Guillermo Galoe. La película nos lleva al asentamiento irregular más grande de Europa, en las afueras de Madrid, para seguir la historia de Toni, un chico gitano de 15 años que vive orgulloso de pertenecer a una familia de chatarreros. Su día a día consiste en acompañar a su abuelo a todas partes, absorbiendo tanto el oficio como las historias y leyendas que circulan por el barrio.
Pero la estabilidad precaria de ese mundo se tambalea cuando los derribos empiezan a acercarse a su parcela. El abuelo de Toni se niega a marcharse, cueste lo que cueste, aferrado a un lugar en el que ha construido su vida y su identidad. Las noches oscuras, sin electricidad, se llenan de sombras y relatos de la infancia que cobran vida, mientras el chico se ve empujado a tomar decisiones para las que quizá no está preparado.
Ciudad sin sueño combina realismo crudo con un cierto tono poético, apoyándose en la fotografía de Rui Poças y en un reparto que aporta veracidad y fuerza a la historia. La película pone el foco en quienes quedan fuera de la postal oficial de la ciudad, visibilizando las consecuencias humanas de políticas urbanísticas y desigualdades estructurales. Una propuesta perfecta para quienes quieren salir del cine con algo de qué hablar y debatir.
Jay Kelly
Noah Baumbach regresa con Jay Kelly, una comedia dramática que se adentra en la crisis vital de una gran estrella de cine en el ocaso de su carrera. El protagonista, Jay Kelly, a sus sesenta años, se enfrenta a un momento clave: un importante festival le prepara un homenaje que, sobre el papel, debería ser el broche de oro a su trayectoria. Sin embargo, esa celebración pública contrasta con un profundo ajuste de cuentas personal que le obliga a mirar hacia atrás y revisar sus relaciones, decisiones y errores.
La película sigue al personaje mientras vuelve a entrar en contacto con las personas que han formado parte de su vida, desde amigos y colegas de profesión hasta familiares y antiguos amores. Todo el mundo conoce a Jay Kelly como figura pública, pero la paradoja es que Jay no se conoce a sí mismo. Esa tensión entre la imagen proyectada y la identidad real es el motor dramático del relato.
Con un reparto plagado de nombres de primera línea como Adam Sandler, Laura Dern y George Clooney, y música de Nicholas Britell, la cinta mezcla momentos de humor, melancolía y cierta mirada satírica al star system. Jay Kelly se presenta como una de las grandes apuestas de la temporada de premios, con estreno limitado en cines antes de su llegada a Netflix, ideal para quienes disfrutan del cine de Baumbach y de las historias sobre personajes que descubren, demasiado tarde quizá, quiénes son de verdad.
Reina Madre
Reina Madre, de Manele Labidi, propone un retrato familiar cargado de matices, humor y conflictos identitarios. Amel, tunecina, y Amor, argelino, se aman pero discuten constantemente. Ambos han dejado atrás sus países de origen para instalarse en Francia y criar allí a sus dos hijas, convencidos de que tendrán más oportunidades. Ella siente nostalgia, él intenta convencerse de que viven en el mejor lugar posible, en un pequeño pueblo limpio y tranquilo a las afueras, con la mejor escuela de la zona.
El problema es que ese frágil equilibrio se rompe cuando les comunican que no van a renovar el contrato de alquiler del apartamento y les ofrecen mudarse a una vivienda social a 45 minutos en tren de la escuela. De repente, todo ese plan de estabilidad se tambalea y la pareja debe replantearse qué significa realmente “tener suerte” en un país que no siempre los acoge como ellos desearían.
En medio de ese lío práctico y emocional, Mouna, la hija mayor, tiene un encuentro inesperado en el pasillo del colegio… con Carlos Martel. Esta figura histórica, que para ella se convierte en una especie de amigo imaginario, funciona como guía brusco, maleducado y muy poco políticamente correcto, pero que acaba ayudándola a explorar sus miedos y su identidad. “Reina Madre” mezcla comedia, drama y comentario social, utilizando a la familia como espejo de las tensiones de la Francia contemporánea.
La bala
Carlos Iglesias se pasa al drama con tintes de thriller en La bala, una película que bucea en la memoria histórica y en las heridas aún abiertas de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista es Julián, un sacerdote perteneciente a una familia acomodada de provincias, que decide cumplir la promesa que le hizo a su madre: recuperar el cadáver de su tía, enfermera de la División Azul, fallecida en la Unión Soviética.
El viaje que inicia no es solo físico, sino también moral y espiritual. A medida que avanza en las averiguaciones sobre la causa de la muerte, ocurrida hace ochenta años, empiezan a tambalearse todas las certezas que tenía sobre su familia, su país e incluso sobre su propia vocación religiosa. Lo que en principio parece un acto piadoso de reparación acaba convirtiéndose en una investigación incómoda, llena de silencios, versiones contradictorias y heridas que muchos preferirían mantener enterradas.
Con un reparto en el que figuran Silvia Marsó, Carlos Hipólito y veteranos del cine español como Miguel Rellán, y la fotografía de Tote Trenas, “La bala” apuesta por un tono sobrio, centrado en los personajes y en las implicaciones éticas de indagar en el pasado. Es una película pensada para quienes buscan historias adultas, con trasfondo histórico y sin miedo a entrar en zonas grises.
Extinción
Extinción mezcla aventura, animación y conciencia ecológica a través de la relación entre un niño y un tigre en peligro de desaparecer. La historia arranca cuando un joven fan de los superhéroes se topa, durante un picnic en el bosque, con un tigre que está al borde de la extinción. Lo que podría haber sido un encuentro fugaz se convierte en el inicio de una amistad improbable que le cambiará la vida.
El chico, acostumbrado a admirar héroes en los cómics y en la pantalla, descubre que el verdadero heroísmo puede estar en proteger a los seres vivos que le rodean. A partir de ahí, ambos se embarcan en una arriesgada misión de rescate, marcada por peligros, persecuciones y decisiones difíciles. La película, dirigida por Moahmad Javad Jannati, Hadi Mohammadian y Behnoud Nekooei, utiliza el código del cine de aventuras para hablar de la responsabilidad con el medio ambiente y del papel de las nuevas generaciones en la defensa de la naturaleza.
Con un metraje ajustado y orientado al público familiar, Extinción ofrece un viaje lleno de ritmo y emoción, con un mensaje claro pero sin dejar de lado el entretenimiento. Es una opción perfecta para quienes quieren llevar a los peques al cine y, de paso, abrir conversación sobre animales en peligro, ecosistemas frágiles y cómo cada gesto puede marcar la diferencia.
En silencio. La resiliencia de Isco Alarcón
Los amantes del fútbol y del cine de autor tienen una cita curiosa con En silencio. La resiliencia de Isco Alarcón, dirigida por Sara Sálamo. Lejos del típico documental deportivo lleno de entrevistas y discursos épicos, la película apuesta por una aproximación íntima y observacional al jugador del Betis. No hay voces en off, ni declaraciones a cámara, ni grandes frases motivacionales: solo la cámara de Sálamo, la cotidianeidad del hogar y el peso de una lesión que lo deja fuera de la Eurocopa en el momento clave de su carrera.
El film se centra en el proceso de recuperación física y emocional de Isco, en cómo se enfrenta al silencio, al dolor y a la presión externa, mientras intenta reconstruirse como deportista y como persona. Al colocarse ella misma detrás de la cámara, Sálamo captura momentos de vulnerabilidad que rara vez se ven en el retrato de un futbolista de élite.
“En silencio. La resiliencia de Isco Alarcón” funciona como puente entre dos mundos: acerca a los aficionados al fútbol a un cine más contemplativo y, al mismo tiempo, ofrece a los cinéfilos una historia de esfuerzo y resistencia muy alejada del ruido mediático habitual. Es una propuesta sobria, de 85 minutos, que invita a mirar más allá de los goles y las portadas.
Sueños en Oslo
El cine noruego llega a la cartelera con Sueños en Oslo, dirigida por Dag Johan Haugerud, un drama romántico que aborda el primer enamoramiento intenso desde una perspectiva delicada y muy centrada en la subjetividad adolescente. Johanne, la protagonista, se enamora perdidamente de su profesora de francés, una experiencia que la sacude por completo y que la lleva a documentar por escrito lo que siente.
Esos textos, que mezclan confesión íntima, fantasía y observación, terminan cayendo en manos de su madre y su abuela. Su primera reacción es de sorpresa –por el contenido personal y por lo que revela de la vida interior de Johanne–, pero poco a poco quedan cautivadas por las cualidades literarias de lo que ha escrito. De ahí surge un debate sobre la moralidad, los límites de la exposición y las posibles consecuencias de publicar esos escritos.
Mientras tanto, Johanne navega entre el ideal romántico que ha construido en su cabeza y la realidad, mucho más compleja y desordenada. “Sueños en Oslo” se adentra en las emociones del autodescubrimiento, el amor y la sexualidad con una mirada pausada, apoyada en la fotografía de Cecilie Semec y la música de Anna Berg. Es una opción ideal para quienes disfrutan del cine europeo intimista, con personajes muy bien observados y sin soluciones fáciles.
El tigre perdido
Para el público familiar y los fans de la animación aventurera llega El tigre perdido, dirigida por Chantelle Murray. La película presenta a Teo, un joven que fue adoptado por una ruidosa familia de canguros luchadores itinerantes. Su vida, en principio, es divertida y llena de acción, pero está marcada por la sensación de no encajar del todo, de que hay algo en su origen que desconoce.
Todo cambia cuando empieza a tener visiones de una tierra desconocida que parece llamarlo. Poco a poco entiende que esos destellos no son simples sueños, sino señales de una conexión profunda con una herencia que aún no ha explorado. Ese despertar interior lo empuja a embarcarse en una épica aventura para reconectar con sus raíces y salvar su tierra natal de la destrucción.
El tigre perdido combina humor, escenas de acción y un mensaje identitario muy claro: la importancia de saber de dónde venimos para entender quiénes somos. Con un colorido universo poblado por animales carismáticos y un tono que busca entretener a pequeños y mayores, la película se perfila como una alternativa ideal para una tarde de cine en familia, con la ventaja de abrir conversación sobre temas como la adopción, la pertenencia y el cuidado del entorno.
Aullar
Aullar, ópera prima de Sergio Siruela, se mueve entre el thriller y el drama para contar la historia de Mamen, una mujer que un día soñó con ser bailarina profesional y que ahora, con los años encima, ve cómo otras más jóvenes cumplen esos sueños que ella dejó atrás. Malvive en un barrio de la periferia de Málaga y trabaja bailando en un club de un polígono industrial para sacar adelante a su hijo, atrapada en una rutina que combina precariedad, machismo y falta de horizontes.
Su relación con su jefe es mala, y el ambiente que la rodea, asfixiante. Todo da un giro cuando, una noche, aparece tirado en la puerta de su casa un hombre borracho e inconsciente. Resulta ser su padre, al que no ve desde la muerte de su madre, momento en que él desapareció de su vida sin dar explicaciones. Ese reencuentro forzado reabre heridas antiguas, pero también plantea la posibilidad de recomponer algo roto hace años.
La película sigue la evolución de esa relación entre padre e hija, llena de obstáculos, reproches y pequeñas esperanzas. Con un reparto encabezado por Elena Martínez, Paco Tous y Antonio Dechent, Aullar pone el foco en personajes que se mueven al límite, con pocas oportunidades pero una capacidad sorprendente para seguir adelante. Es cine español de barrio, áspero pero con espacio para la emoción y la posibilidad del perdón.
La historia de Frank y Nina
La historia de Frank y Nina, dirigida por Paola Randi, se acerca al romance y a la comedia desde un punto de vista muy particular. El narrador de todo lo que ocurre es Gollum, un adolescente que no puede hablar y que decide contar la historia escribiéndola en las paredes de la ciudad. A través de esos mensajes, vamos conociendo a los dos protagonistas: Frank, un joven que abandonó la escuela y sobrevive vendiendo tareas a las puertas de los colegios, y Nina, una madre adolescente de 16 años que sueña con la libertad y estudia para conseguirla.
Cuando Nina contrata a Frank como tutor, lo que empieza como un acuerdo práctico se transforma en una relación en la que ambos se ven obligados a mostrarse tal como son. Entre paseos, conversaciones y situaciones cotidianas, los dos personajes comienzan a conocerse en profundidad, a compartir miedos y a imaginar un futuro distinto al que parecía marcado para ellos.
La película juega con la idea de que la realidad es solo un punto de vista, tal y como dice el propio Frank, y plantea cómo el amor, la familia y las expectativas sociales pueden redefinirse cuando dejamos de aceptar las etiquetas que nos han impuesto. Con un tono luminoso, toques de humor y un trasfondo emotivo, “La historia de Frank y Nina” se posiciona como una alternativa ideal para quienes quieren una historia romántica con personalidad propia y sensibilidad europea.
El último arrebato
Para los amantes del cine español de culto llega El último arrebato, dirigida por Marta Medina y Enrique López Lavigne. Se trata de una película híbrida, a medio camino entre el documental y el cine fantástico, que se adentra en el universo de Arrebato (1980), la obra icónica de Iván Zulueta. Esa cinta, considerada hoy la gran película de culto del cine español, anticipó el final de la movida y se ha convertido en un mito rodeado de leyendas, excesos y obsesiones.
El último arrebato se propone desvelar los secretos que rodean tanto a la película como a la desaparición de su director, explorando la intrahistoria de un creador arrebatado por las drogas y el propio cine. En ese viaje, el documental se contamina de elementos fantásticos, como si el propio espíritu de Zulueta se resistiera a ser explicado con herramientas convencionales.
Con testimonios, material de archivo y recursos formales que juegan con la percepción, la película se adentra en un terreno peligroso: cuanto más se escarba en el mito, más se corre el riesgo de quedar atrapado en él. Es una propuesta destinada a cinéfilos y, en particular, a quienes sienten fascinación por los márgenes del cine español, sus autores malditos y las historias que se quedan entre lo visible y lo invisible.
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