Hay películas que adaptan clásicos y luego está Scarlet, que decide coger Hamlet, teñirlo de rosa chicle, lanzarlo a un purgatorio digital con dragones eléctricos y preguntarse, con toda la solemnidad del mundo, si la venganza merece realmente la pena cuando ya estás muerto. Mamoru Hosoda no ha venido a hacer una versión correcta del texto de Shakespeare, ha venido a reventarlo desde dentro… y el resultado es tan fascinante como frustrante.
Una princesa danesa con sed de sangre (y estética punk)
En Scarlet, Hosoda reimagina al príncipe de Dinamarca como una princesa de cabello rosa eléctrico con mirada de Disney en modo berserker. Scarlet pierde a su padre, el rey Amlet, asesinado por su tío Claudius en un golpe de poder que respeta los puntos básicos del drama shakesperiano, pero pronto la película empieza a desviarse hacia territorios mucho más extraños.
La primera parte es pura potencia visual. Un palacio dorado que brilla con ostentación renacentista, una ejecución brutal observada desde un balcón y una niña que no alcanza a escuchar las últimas palabras de su padre mientras la sangre ya mancha el suelo. Esa imagen se te clava como una espada y marca el tono emocional del viaje. La rabia de Scarlet no es simbólica, es una combustión interna que define cada una de sus decisiones.
Hosoda introduce un giro que altera la tragedia original y la envía a un limbo llamado el Otherworld, una especie de purgatorio desértico donde conviven muertos de distintas épocas bajo un cielo oceánico custodiado por un dragón que escupe relámpagos. Es ahí donde la película decide convertirse en odisea fantástica.
Un purgatorio precioso… y desconcertante
El Otherworld es visualmente apabullante. Desiertos que recuerdan a Mordor, mares imposibles en el cielo y multitudes que se agolpan en torno a Claudius, quien promete una ascensión hacia las “Tierras Infinitas” mientras acumula seguidores como si estuviera montando una secta interdimensional.
Hosoda mezcla animación tradicional en el mundo “real” con un acabado digital hiperrealista en el más allá, creando un choque estético que al principio resulta inquietante y después termina encajando como parte del concepto. El problema no es cómo luce, sino qué significa.
La película plantea grandes preguntas sobre la vida, la muerte y el perdón, pero las deja flotando en el aire como si confiara en que el espectador termine el discurso por su cuenta. Scarlet quiere matar incluso después de morir y la lógica del lugar no siempre responde a reglas claras, lo que convierte el viaje en una experiencia tan inmersiva como confusa.
Hijiri y el choque de ideologías
En medio del caos aparece Hijiri, un paramédico del siglo XXI que también ha terminado en ese limbo. Él es pacifista, racional, casi rígido en su postura ética. Scarlet es pura furia. Esa tensión debería ser el corazón emocional del relato, pero la película nunca termina de profundizar en su relación.
Hijiri cura a enemigos que Scarlet acaba de atravesar con la espada, mientras ella arrastra su obsesión vengativa como si fuera la única brújula posible. Hosoda quiere hablar del veneno de la ira y de la posibilidad del perdón incluso cuando el culpable no muestra arrepentimiento, pero lo hace con una solemnidad tan insistente que termina ahogando la emoción que pretende provocar.
Hay momentos que apuntan a algo enorme, como una comunidad de almas errantes que se reúnen para cantar y bailar como si fueran las Naciones Unidas del más allá, o una rebelión popular contra Claudius que insinúa lecturas políticas sin desarrollarlas del todo. Son ideas poderosas que se quedan a medio camino.
Entre el Shakespeare eterno y la ingenuidad épica
Hosoda es un director que ha demostrado en películas como Belle o Mirai que sabe mezclar fantasía y emoción con una sensibilidad especial hacia los vínculos familiares. Aquí vuelve a obsesionarse con la relación padre-hija, con esa última frase que Scarlet no logra escuchar y que se convierte en el motor de todo.
El desenlace apuesta por una resolución que quiere ser catártica y humanista, defendiendo que la compasión puede romper el ciclo de violencia incluso en el más allá. Es un mensaje valiente y sincero, pero también ingenuo en su ejecución, como si Hosoda creyera que declarar el fin de la guerra fuera suficiente para que el mundo la aceptara.
¿Error o experimento necesario?
Como experiencia visual, Scarlet es arrolladora. Como adaptación de Hamlet, es libre hasta el exceso. Como reflexión sobre el odio, es insistente y a ratos torpe. Y, sin embargo, hay algo magnético en su ambición desmedida.
Hosoda intenta hacer algo grande, casi generacional, una obra que dialogue con Shakespeare y al mismo tiempo con el presente, con un mundo dividido por el rencor. Puede que tropiece con su propio mensaje y que el Otherworld resulte un lugar demasiado árido para pasar dos horas, pero no se puede negar que la película tiene personalidad.
Al final, Scarlet no es el anime que dominará la taquilla como un fenómeno tipo Demon Slayer, pero sí es una obra que da conversación, que incomoda y que se atreve a mezclar tragedia clásica, fantasía épica y existencialismo con una estética radical. No siempre funciona, pero cuando lo hace, brilla con una intensidad que pocos directores de animación contemporáneos se permiten.
Y quizá ese sea su mayor mérito: fallar intentando volar alto en lugar de limitarse a repetir fórmulas seguras.
Si te gusta el anime que se atreve a reinterpretar clásicos y quieres más críticas con mirada friki pero analítica, síguenos en Google News y mantente al día.
